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¿Quién controla los flujos de dinero en la música?

Tomado de Platform & Stream

Por: Maarten Walraven-Freeling

Tradicionalmente, cuando empiezas a hacer música buscas tres cosas:

  • Un manager
  • Un trato discográfico
  • Un trato editorial

Por supuesto, ese tercero es solo para el caso de los compositores o escritores. Pero estas son las tres formas en que usted, como artista, buscará convertir su propiedad intelectual en ganancias. Actualmente estamos atravesando un cambio de paradigma en la música, e Internet en general; en lo que respecta a la creación, la propiedad, el fandom y la monetización. A medida que este proceso se acelera, los acuerdos y contratos tradicionales anteriores también cambiarán, se adaptarán y, potencialmente, serán subsumidos por otros tipos de acuerdos. Pero comencemos con algo de historia reciente sobre esos acuerdos tradicionales.

El gerente

Como dice la Biblia de la industria de la música, lo más importante es el equipo que un artista pone a su alrededor para ayudarlo a crecer. La primera persona que suelen encontrar es un manager. Juntos, el artista y el manager trabajan para difundir la música en el mundo, atraer fanáticos, salir de gira, construir una marca, etc. Debido a que el manager y el artista deben tener una alineación completa de intereses, el manager generalmente recibe una tarifa fija por todos los ingresos que provienen de la propiedad intelectual del artista. Desafortunadamente, tan tradicional como la relación mayoritariamente simbiótica entre el mánager y el artista lo es el hecho de que se basa en un «trato de apretón de manos».

Incluso uno de los artistas independientes más famosos, Chance the Rapper, y su manager, Pat ‘the Manager’ Corcoran, trabajaron juntos durante años en nada más que un acuerdo verbal. Incluso cuando establecieron tres compañías separadas para respaldar la mercadería, las giras y otros ingresos derivados de la transmisión, las licencias, etc., nunca firmaron un acuerdo oficial juntos. Finalmente, la relación se volvió amarga y primero Pat demandó a Chance, y luego Chance demandó a Pat. Lo más sorprendente de estas demandas no es el dinero involucrado, o incluso que la relación entre el manager y el artista se basó en un trato de apretón de manos, sino lo personales que son las tramitaciones. Lo que brilla a través de todo es una relación profunda y particular. La lectura de esos documentos también muestra cómo el manager se involucra en todos los aspectos de la carrera y la marca del artista. Una vez más, esto se ve favorecido por los acuerdos monetarios. Pero si el artista es una marca y, en el caso de Chance, una marca con tres compañías diferentes, entonces el manager no es un manager, sino un director de operaciones del puesto de director ejecutivo del artista. A medida que los artistas desarrollan esta marca y su lado emprendedor y de su música, harían bien en buscar directores de operaciones en lugar de managers.

El trato discográfico

El proverbial huevo de oro que la mayoría de los músicos todavía quieren. ¿Por qué? Status, avances, poder de marketing global, etc.

Todavía hay mucha atracción por tener una empresa grande y establecida que se encargue de su producción, distribución, promoción, registro y cobro de regalías, y que se encargue de las autorizaciones necesarias. Y hay algo que decir sobre el lujo de un avance que te ayude a producir tu álbum. Pero ese lujo viene a expensas de la propiedad, ya que en su mayoría cedes los derechos de tu música al sello.

 

Además, la promesa de ingresos una vez que se publica el álbum y las regalías que acordó, desaparecen cuando se toman en cuenta las deducciones de costos.

¿Cómo funciona esto? Se trata del lenguaje de los contratos. ¿Recuerdas cuando Kanye West publicó sus contratos en Twitter? Hay una cláusula útil sobre «recuperación». Dice lo siguiente: «todos los costos incurridos por UMG en relación con el … álbum se incluirán en los costos al determinar la recuperación». Así que esos son todos los costos sin una definición específica de lo que incluyen. Para un contacto que de otra manera gana en cómo especifica todo, eso es extraordinario. También es estándar de la industria. Considerándolo todo, Kanye no estaba en un mal trato con su sello discográfico, pero eso no viene al caso. Lo que importa es que los artistas no conservan sus propios derechos.

El editor

Cuando eres un compositor o un escritor, tratas con los editores. A lo largo del siglo XX, la mayor parte del dinero proveniente de los derechos de autor fluyó hacia esos compositores. Sin embargo, eso está cambiando. En parte, debido a que algunos de los derechos en los que se basan estos acuerdos editoriales son arcaicos. Y en parte, debido a cómo la industria ha desarrollado un enfoque cada vez mayor hacia la música grabada.

El primero se relaciona con cosas como los derechos mecánicos. Algo desarrollado en los Estados Unidos a principios del siglo XX para asegurarse de que los compositores recibieran un pago con esta nueva tecnología llamada pianola o player piano.

 

En ningún lugar ni nadie en más de 100 años ha podido cambiar realmente los derechos de autor. En cambio, cada nuevo desarrollo tecnológico se ha convertido en este derecho mecánico. Como mínimo, ahora debería ser un derecho electrónico o digital. Se están haciendo algunos movimientos hacia el establecimiento de derechos digitales, pero lo que está claro es que los derechos de autor siempre irán a la zaga de la tecnología.

Además, cada vez que aparece una nueva tecnología, ya sea transmisión de audio, transmisión de video, herramientas de creación, etc., quien está a cargo no hace ningún trato en torno a los derechos de autor. Luego, cuando una nueva empresa obtiene una gran base de usuarios, los primeros en llamar son los principales sellos discográficos. Representan a los artistas que graban, no a los compositores ni a los escritores. Por lo tanto, los primeros acuerdos aportan dinero a esos sellos y, oficialmente, a su lista de artistas.

Hay otra razón por la que los compositores y escritores están siendo abandonados por la música grabada en los flujos de dinero. Los sellos discográficos tienden a invertir en empresas emergentes, mientras que las editoriales no lo hacen. Por ejemplo, Spotify: los tres grandes discográficos invirtieron en las primeras fases de la empresa. Por lo tanto, cuando salieron a bolsa en 2018, todos estaban dispuestos a hacer una gran ganancia inesperada. Por supuesto, todos prometieron compartir estas ganancias con sus sub-sellos y artistas.

Pero observemos a Sony Music, que fue la primera gran empresa en vender parte de su participación en Spotify. Ganaron aproximadamente $750 millones vendiendo el 50% de su participación en Spotify. Poco después, Sony se hizo con el 60% de las acciones de EMI Music Publishing., valorando la empresa en $ 4.750 millones. EMI, en ese momento, tenía un catálogo de alrededor de 2 millones de canciones. El valor total de la empresa se basaba únicamente en los compositores que representaba. Y las crecientes ganancias de Sony también provienen de una economía de transmisión que floreció gracias a esos mismos compositores. Y, sin embargo, esos compositores no vieron ningún retorno directo de estos acuerdos.

Entonces, ¿qué sigue en el cambio de paradigma?

 Hasta ahora, hemos aprendido que incluso una asociación con visión de futuro como Chance the Rapper y Pat the Manager todavía tenía sus raíces en acuerdos de apretón de manos de la vieja escuela. Y todos sabemos que el auge actual del streaming no es el mejor en términos de generar ingresos para el músico medio. Además, a medida que la música de catálogo crece en estatura, ¿dónde deja esto a la nueva música? O, ¿qué significa un cambio de los álbumes, e incluso los singles, hacia la creación y la personalidad para esos flujos de dinero?

¿Qué es lo siguiente? Montando las olas a medida que vienen y experimentando con estos nuevos modos de crecimiento. Asegúrese de concentrarse en un buen crecimiento, un crecimiento que mejore sus ideales y la música involucrada. En lugar de buscar un manager, experimente con una estructura OAD (Objeto de acceso a datos). En lugar de compartir el 15% o regalar sus derechos de autor a una firma o editor, vea cómo puede compartir o fraccionar la propiedad. Una cosa que se debe aprender de la relación artista-manager es que para crecer juntos es necesaria una alineación completa de intereses: cualquier ventaja se crea en conjunto, ya sea creativo o monetario. El cambio de paradigma de la música es comunitario.